Classicisme (XVIIe)
Mouvement artistique où l’on tente de faire une œuvre parfaite (recherche de l’équilibre, de la clarté et du naturel). Très souvent, les scènes sont des représentations religieuses ou des paysages. On aurait dit qu’aucune émotion n’est démontrée et que tout est au ralenti même si les personnages ont une occupation. Les toiles comptent normalement plusieurs personnages. Les couleurs employées sont foncées comme le brun, le gris et le noir sauf pour quelques endroits sur l’œuvre où c’est plus clair.On cherche à retrouver les décors et les costumes anciens dans toute leur authenticité. Rome, la républicaine, devient une sorte de modèle, d’idéal de vie.
Artistes : Nicolas Poussin « Eliezer et rebecca »(ci-dessous), Claude Lorrain, Georges de La Tour.
Néo-classicisme (1750-1790)
Artistes : Jacques-Louis David « Le Serment des Horaces » (1784, achevé en 1785)(ci-dessous) et Jean-Dominique Ingres.
Romantisme(17780-1830)
Ensemble de mouvements intellectuels et artistiques qui, à partir de la fin du dix-huitième siècle, firent prévaloir le sentiment sur la raison et l’imagination sur l’analyse critique. C’était donc une période où les peintres et les poètes représentaient leurs sentiments et leurs attitudes face à l’amour sous forme d’écritures ou de peintures. Ce qui est important pour le peintre, c’est que le public puisse sentir sa tragédie personnelle.
Artistes : Eugène Delacroix « la liberté guidant le peuple »1830(ci-dessous), Théodore Géricault, Gaspar David Friedrich et Philipp Otto Runge.
Réalisme (1830-1870)
Tendance littéraire et artistique de la seconde moitié du dix-neuvième siècle, qui privilégie la représentation exacte, non idéalisée, de la nature et des hommes. C’est-à-dire, les peintres représentant cette tendance ou ce mouvement artistique, prenait une image provenant de la réalité pouvant être un objet, un animal, un humain ou autre chose, et ils représentaient sous forme de peinture, cette image telle qu’elle est réellement.
Artistes : Honoré Daumier, Gustave Couret « l’atelier » (1855)(ci-dessous)et Jean-François Millet.
Impressionnisme (1850-1886)
Les impressionnistes choisissent leur sujet dans la vie de tous les jours. C’est donc des scènes qu’on pourrait observer nous aussi. Cette scène est représentée selon la vision personnelle de l’artiste. Ce sont très souvent des scènes de plein-air. Il y a beaucoup de lumière, car c’est l’élément essentiel de leur peinture. Les artistes écartent les teintes sombres pour utiliser des couleurs pures (on peut souvent remarquer les traits de pinceaux sur la toile) pour créer des reflets mouvants.
Artistes : Claude Monet, Alfred Sisley, Camille Pissaro, Edouard Manet, Berthe Morisot et Auguste Renoir.
Néo-impressionnisme (1886-1900)
Technique des peintres néo-impressionnistes, appelée aussi pointillisme, ou divisionnisme,consistant à juxtaposer de petites touches de différentes couleurs sur la toile, au lieu de mélanger les couleurs sur la palette.
Artistes : Georges Seurat, Paul Signac.
Cloisonnisme (1890-1900)
On dit cloisonnisme, à cause du cerne de chaque ton. C’est un grand vitrail plutôt qu’une peinture, avec les éléments décoratifs de la couleur et de la ligne.
Artistes : E. Bernard, Paul Gauguin.
On l’appelle aussi « synthétisme ». Le synthétisme est caractérisé par la simplification voulue des lignes, des formes et des couleurs. Les artistes ne se soumettent plus à la nature, ils l’utilisent. Ils s’en servent pour extraire son idée, laquelle ne se donne qu’à la seule imagination de l’artiste. Puisque l’idée est conçue par l’imagination du peintre, il ne faut pas qu’il peigne devant la chose. Cet art est fondé sur l’usage de grands aplats de couleurs aux alentours vigoureusement cernés. Synthétiser, ce n’est pas nécessairement simplifier dans le sens de supprimer certaines parties de l’objet, c’est simplifier dans le sens de rendre au plus simple.
Artistes : Paul Gauguin et Émile Bernard
les Nabis (1890-1900)
C’est transcrire nos émotions et notre pensée à travers les lignes et les couleurs utilisées. Ils invoquent les modèles tirés de civilisations primitives ou exotiques : estampes japonaises, art égyptien, sculpture et vitrail médiévaux et la peinture primitive italienne. Il n’y a pas de profondeur, ni de modelé. Les formes stylisées sont traitées en aplats de couleurs pures et séparées du reste par un trait continu. Le désir des nabis est d’intégrer l’art à la vie. Ils trouvent leur expression dans le domaine de la décoration : vitraux, rideaux, tissus, papiers peints, tapisseries et décors de théâtre.
Artistes : Pierre Bonnard, Édouard Vuillard, Walter Sickert et Paul Sérusier.
les Fauves (1905-1907)
Mouvement pictural français caractérisé par l’audace et la nouveauté de ses recherches chromatiques. Les fauves rejetèrent la palette impressionniste aux tons doux et miroitants pour les couleurs pures et vives qu’utilisaient déjà Paul Gauguin et Vincent Van Gogh. Cette tendance artistique cherche à donner une couleur nette aux objets. Dans ce mouvement, on utilise seulement des couleurs pures qui se contrastent violemment en vue de donner aux sensations visuelles leur maximum d’intensité.
Artistes : Henri Matisse, Albert Marquet, André Derain et Maurice de Valminck.
Expressionnisme (1905-1920)
Tendance artistique qui, au début du vingtième siècle, a mis au service d’une inspiration romantique et violente une expression intense manifestée par le besoin de produire un sentiment de souffrance et du tragique. Les couleurs des œuvres expressionnistes sont souvent irréalistes. L’exécution rapide est la base de ce mouvement. Ce que l’on recherche est l’expression de sentiments et non la composition des objets et formes dans l’œuvre.
Artistes : Edvard Munch, Vincent Van Gogh, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Franz Marc.
Cubisme (1907-1920)
Mouvement artistique pouvant avoir plusieurs formes. Premièrement, on peut découper un objet en plusieurs carrés et rectangles et les disposer à notre goût. Certains ont même collé des bouts de papiers sur la toile pour mieux apercevoir les limites de ces carrés et de ces rectangles. Deuxièmement, on peut tout simplement peindre un paysage ou autre chose en dessinant les objets en leur donnant une forme plus géométrique, moins arrondie. Finalement, on tente de démontrer tous les points de vue d’un objet dans une même œuvre.
Artistes : Pablo Picasso, Georges Braque, Robert Delaunay, Fernand Léger, Picabia Francis.
Futurisme (1909-1920)
Le futurisme apparut dans la deuxième décennie du vingtième siècle en Italie. Pour traduire ce mouvement, les futuristes vont présenter en même temps sur les toiles les phases en successions des corps en déplacement. Les peintres expriment leurs sentiments pour toutes les formes d’imitation et ils s’inspirent du dynamisme de la vie moderne. Les futuristes séparent les figures, les traitent par plans superposés et ils décomposent les couleurs. Il faut chasser tous les sujets qui ont été trop utilisés pour exprimer leur « tourbillonnante » vie d’orgueil, de fièvre et de vitesse. Les futuristes ne s’attachent pas uniquement à la représentation d’objets en mouvement perçu par l’extérieur. Le futurisme emprunte au cubisme les procédés de fragmentation des plans et leur traitement par transparence, mais, il ne les utilise pas pour les mêmes raisons.
Artistes : Unberto Boccioni, Luigi Russolo, Giacomo Bella et Gino Severini.
Dada (1916-1920)
C’est un mouvement artistique qui proteste contre tous les aspects de la culture occidentale. Les dadaïstes utilisent souvent des méthodes qui sont intentionnellement incompréhensibles. Ils peignent dans le but de choquer le public pour que l’on considère les valeurs que notre société promouvait. Le rapport entre le titre d’une œuvre dadaïste et l’œuvre elle-même, est souvent difficile à déterminer. Le dadaïsme est un art figuratif dans son abstraction de sens logique.
Artistes : Man Ray, Marcel Duchamps, Francis Picabia
Néoplasticisme. de Stijl (1917-1930)
Doctrine de la plastique pure élaborée par Piet Mondrian, à partir d’une analyse serrée du cubisme et qui consiste dans l’usage exclusif de l’angle droit en position horizontale verticale et des trois couleurs primaires auxquelles viennent s’ajouter les non couleurs : blanc, noir et gris.
Artistes : Piet Mondrian et Théo Van Doesburg
Suprématisme (1915-1925)
Le suprématisme est le fondement d’un art qui ne présente pas la forme réelle des choses. Le peintre ne doit s’occuper que de la peinture et rejeter toute considération extérieure. Cette devise est celle d’un peintre suprématisme parfait. Volontairement agressives, les conceptions de ce mouvement eurent un retentissement considérable face au public. Elles font aussi preuve d’un rare sens de la perfection. La plupart des œuvres suprématistes sont très simples (carré noir sur fond blanc).
Artistes : Kasimir Malevitch, Vassily Kandinsky, Olga Razanova, Lioubov Popova et Alexandra Exter
Constructivisme (1915-1925)
Mouvement artistique du vingtième siècle. C’est un mouvement qui privilégie une construction plus ou moins géométriques des formes. C’est un mouvement russe à l’origine. Il est utilisé dans la construction sculpturale ou picturale.
Artistes : Tatline, Antoine Pevsner, Naum Gabo, Guennadi Vassilkov
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